作为内地首档音乐唱演秀节目，湖南卫视今夏开播的《幻乐之城》迄今已经播出三期了，王菲综艺首秀的强大号召力，以及每一期都有内容精湛的节目引发的网络话题性热议，获得了观众的普遍赞誉和高度关注。

　　这档节目以“音乐电影+现场直播”的形式，将音乐、电影、现场结合在一起，每一期有4位嘉宾参与，提出自己的创意，并各搭配一位导演和电影级制作团队，经过32天的打磨，最终在舞台及后方的摄影棚里通过直播后台表演的形式呈现出来。

　　这个8分钟的片段，从外在的形式上看，非常接近MV（音乐录影带，音乐电影），只不过因为加入了LIVE的因素，给这个8分钟作品的呈现带来了不确定性，以及由此产生了独一无二的不可复制性，同时也从节目一开始就铺陈出“悬念”，增加了整个节目的可看性。

　　LIVE（现场）是音乐的一种重要表现形式，可以说是与观众关系最为密切的一种舞台互动形式；同样在电视领域，LIVE（直播）为观众提供了一种跨越地域的共时性的观看体验，这种不可替代的共时性体验也使电视具备了独特的艺术魅力。而在以电影为代表的声画叙事中，LIVE（鲜活的，生动的，有生命力的）则是表演艺术最具体的呈现方式和最基础的价值核心。因此，从综艺节目类型的角度，《幻乐之城》融合了明星，真人秀，故事/情境，专业向度（唱功，演技），任务目标式等超一类流行的娱乐节目元素，一定程度上可以说它吸纳了《歌手》、《演员的诞生》、《声临其境》等节目的核心审美特征，优化成为一种崭新的跨界混生体，为观众尽可能地提供了一场视听的极乐盛宴。

　　那么，为什么说《幻乐之城》是一本提高视听艺术审美的教科书呢？

　　因为以王菲（体验官）为代表参演的明星是首发吸引观众的吸引点，而这个节目真正最大的看点应该是每一期的4个作品，富有创意的“Film”（影像作品）决定了这个节目的水准，格调，品位，高度等等，正是优秀的影像作品方能带给节目以灵魂。

　　《幻乐之城》的表现形式是将舞台（前、后台）和银幕空间打碎并重塑，糅合了电影、音乐、舞台、戏剧、纪实等多种艺术样式，目标即是要在音乐的辅助下，用声音和画面去讲述一个8分钟的故事，这必然需要导演具备熟练运用影视语言讲故事的能力，并最好体现出个性化的影像风格和艺术追求。

　　观众在熟悉了节目规则之后，大众每一期的观看期待便是唱演明星和导演、制作人，如何在有限的时间（筹备时间和作品呈现时间）和空间（摄制空间和银幕空间）里，在资源有限的条件下，在受限制的场面调度和各工种配合的情况下，围绕着演员的表演和歌唱，去实现、完成甚至比较好的传达原先精心设计好的完整脚本，最终完成一部作品在银幕上的一次经典化呈现，One Take。

　　3期共12部作品，整体水平上佳，具体每一部的完成度和表现力都不尽相同。节目并没有设置专业点评或竞赛比拼的环节，现场观众（观看模式十分接近电影院观看）和电视机前的观众，大多还是从传统观看的感性角度去考量“接受”，观众或被叙述的感人故事所打动，或被精湛的演技，美妙的歌声所打动，却往往未能意识到Film Art （电影、影像）是一种综合性艺术，究其背后是庞大的影视语言与美学体系在起作用，在已播出的节目中，一些优秀的8分钟短片已经可以成为理解影视美学、提高影视审美的素材或范例。

　　《独木桥》（第一期，唱演人：黄晓明，导演：许宏宇）。

　　许宏宇是一位资深剪辑师出身的80后年轻导演，曾被称为陈可辛的御用剪辑师，他剪辑的电影作品包括《投名状》、《建国大业》、《十月围城》、《无人驾驶》、《赵氏孤儿》、《武侠》、《夏洛特烦恼》、《亲爱的》、《一个人的武林》、《在世界中心呼唤爱》、《七月与安生》、《羞羞的铁拳》等，2017年在陈可辛的推动下，首执导筒成功转型，拍摄了电影《喜欢你》（周冬雨、金城武主演），许宏宇本人外型也较为出众，颇具艺术家的气质。

　　“独木桥”本质上是一种符号化的意向，是唱演人黄晓明所希望表达的处于人生某一阶段的心境，通俗点说是很“虚”的东西，是一种情绪，如果仅仅是情绪的传递，配合演唱，很容易就变成一个缺乏叙事的MV。所以，导演十分智慧地采用了电影化的开场，以台词和场景通过叙事带领观众进入角色，而当黄晓明从筵席的坐席起身离开步入走廊的时候，借助摇晃的主观镜头，灯光的闪烁熄灭，幽暗的走廊，为黄晓明从现实步入梦境，走进自己内心的洞穴进行了过渡。

　　从一个跟拍镜头中可以看到洞穴深处是一面镜子，根据雅克·拉康著名的镜像理论，“镜子”是混淆了现实与想象的情景意识最佳的指代，因此也是影视语言符号中较为常用的一种隐喻符号。黄晓明位于镜前歌唱的片段，导演采用了简洁高效的过肩镜正反打来表现黄晓明自我/本我的对话，镜头的切换配合音乐转换。

　　之后，一场阐释主题的叙事性对白调节了整个短片的节奏，为进入下一个场景音乐副歌部分积蓄能量，最终黄晓明站在雨中的独木桥上完成了最后高潮部分的演绎。

　　正是这样一位曾经获得香港电影金像奖和台湾电影金马奖最佳剪辑提名的导演，使用了7台机器，3个主要场景，通过精准地剪辑点把控，牢牢地把全片的节奏、氛围固定下来。对于黄晓明来说，表演和歌唱都在水准之上，较为特别的是，情节设定上跟他本人也达成了一种互文关系，所以对于观众来说虽然没有具体的故事，却依然觉得人物是较为丰满的，但短片囿于意识流的表达，留给观众的记忆点不如具体的故事和人物来得深刻。

　　《时光机》（第一期，唱演人：任素汐，导演：辛爽）。

　　演员任素汐并没有“网红”标准的靓丽外型，但她的表演功底扎实，细腻流畅风格独特，一部电影《驴得水》让她成名，特别是她在电影中清唱的一首《我要你》温婉撩人，广为传唱。

　　这个作品以战地伪新闻纪录片的方式进入，迅速为观众提供了重要叙事要素，时间、地点、人物和事件，画外音（台词和音效）又进一步扩展了视听空间，对叙事也起到了辅助的作用。

　　现场摄制的局限，遇险部分一些通常意义上的“上帝视角”镜头采用了斯坦尼康进行拍摄，移动轨迹以及镜头过于晃动带入了较强的镜头存在感，如果联想到开头伪新闻拍摄的叙事视角的话，有可能带来叙事主体混乱的风险，观众容易感受到镜头后隐藏着的另一个人的存在。所幸的是，一个应急灯棒的特写镜头，将主观视角交还给任素汐，通过一个黑场的转换，将叙事进入到时光机的回忆当中。

　　在充满浓浓温情的回忆部分，伴随着记者任素汐的演唱和走位，镜头一幕幕再现了孩时的任素汐和父亲相处的情景。

　　单个场景内尽可能地一镜到底，主要依靠演员的出画/入画来切分细小的表演段落，镜头场面调度十分流畅，产生了时间流的意蕴。

　　在讲述女主自幼胆小害怕，父亲给她勇气的部分，采用了充满象征性的“剧中剧”形式，合情合理地交代出女主从恐惧到无畏的过程，个人成长背后的原因，女主和女孩终得救赎。

　　好故事是好作品的基础，这个作品内容丰富叙事完整，换言之就是观众看得懂这个故事，人物以及人物的情感，同时艺术表现手法丰富多样，在表现时空穿越交错上又很会使用道具，在现场美术营造的复古怀旧氛围里不断有着丰富的细节呈现，因此这个作品成功地打动了观众是不足为奇的。

　　在第一期《幻乐之城》里，还有另外两部作品。《虹·光》（唱演人：雷佳，导演：沙维琪），歌唱家雷佳老师的演唱绝对是无可挑剔的，完全彻底的一镜到底，在场景搭建上也费了很多功夫，但因为是四首歌曲的串烧，每一首歌曲的演绎只能在有限的时空里进行典型性的场景表现，有心植入的非遗元素也未能充分展示。

　　重歌舞轻叙事，即便是用“寻找幸运花”进行串联，使得整个8分钟的短片像是一个拼盘的MV。

　　雷佳老师的表演范式仍是基于舞台歌唱表演形式，故而短片又带有浓浓央视春晚的感觉。因此本质上说，《虹·光》就是一支MV，电影的元素是缺席的。

　　《对不起》（唱演人：易烊千玺，导演：彭宥纶）讲述了年轻人追逐个性与梦想以及祖孙之间的情感故事，这一组在第一期中是拿到了最低的C级资源，导演却可以在不到一百平的拍摄空间里制造出了多个不同空间场景的意向， 镜头运动别具一格，比如开场的一个180度旋转镜头，用一个上升的运动镜头来实现表演区向天台的转移。

　　在天台段落，三位年轻演员的表演都非常出色，助演胡先煦和阿如那都已经算是有代表作的新生代佼佼者。从短片中，除了可以看到导演的镜头语汇非常丰富之外，更可贵的是个别镜头的设计，极大的调动了视听艺术的表现力，用接近科幻的，实验的，后现代的甚至是后人类美学的视觉艺术传达，片尾飞车上天的镜头，拼贴了真实世界的影像，这个片段点明了整个短片的主旨，更将对于自然环境破坏，人类社会异化的思考带入更深层次的哲学思考。

　　毫无疑问，这是一次影视语言的出色运用。可见，C级资源对于创作者来说并非意味着注定失败、劣质，从另一方面来看，正式因为场地和条件的限制，才会让导演减少对资源实体的依赖，更多地把创作的注意力集中到视听语言的艺术运用上，毕竟最终呈现的是影像的画面空间。

　　第二期《幻乐之城》中，《录像带》（唱演人：马思纯，导演李明文），同样是在C级资源条件下，用电影化的高级影像语言呈现出一个精彩作品。马思纯奉献出了一次影后级别的表演，为作品的成功提供了有效保障，然而虚实交叉的故事讲述方式是十分电影化的，镜头内部的蒙太奇作用十分有效地帮助观众抓住人物的关系和状态。

　　这部短片的电影化呈现最突出的美学特色在于表演空间的视觉缝合与衔接。首先利用录像机，表演空间后方的屏幕，加上观众观看的银幕，构成了一个三重的取景（银幕）空间。

　　其次，导演设计了两个一模一样的空间，采用了绿幕特效技术处理表演和表演之间的衔接，但不滥用，将演员表演从画面中自由出入。

　　最后，借助演员的走动，导演打破了摄影棚的边界，影像的表现空间进一步扩大，画面中整个后台空间，通道空间，演播厅的舞台空间一并被吸纳，将可利用的所有空间都进行了视觉缝合，从而产生了独特的观看体验。

　　特别是对于现场观众来说，这个作品强调了LIVE在场感和沉浸式体验，实际上现场的每一位观众也成为了作品的组成部分。这样具有一定突破性的创意，对于整个节目来说都不失为一种贡献。

　　将《幻乐之城》比喻成教科书并不只是对于其追求高品质高水准的赞誉，一本优秀的教科书，应该是既提供优秀的范例，也能偶尔给予一些反例，只有这样才能更有助于大众的消化、吸收和理解。“瑕疵”对于电视节目来说并不等于伤害，相反地，可能会给观众提供严肃观赏的机遇和议论空间。比如，第一期录制《时光机》节目时出现的穿帮，第二期伊能静与大张伟的各抒己见，第二期韩雪唱演作品《焚心》中，全息影像技术的运用效果乏善可陈等等。

　　《幻乐之城》作为一种崭新的跨界混生体，可能也有一些电视机前的观众并不买账，他们无法获得“在场感”，因此更倾向于一种更为简单直接的、为观众熟悉的，或者说是类型化更为突出的节目。从目前的节目走向来看，制作单位也有意识地在增加综艺性的内容。

　　节目中已见的明星、导演之间的冲突，以伊能静和大张伟组合为例，更多地表现为对于创意、作品、艺术不同观点的针锋相对，不易深入讨论且并不够“娱乐”性，而更多的导演则更多地将自己置于帮助唱演人完成故事/作品的位置上。因此，《幻乐之城》有着一股浓浓的“明星中心制”的味道，但其实导演才是一座真正的有待挖掘的金矿，只有电视人自己首先将导演、演员摆在正确地位置上，才能有效地引导观众树立合理、健康的理念，同时希望制作单位能更多地介绍年轻的专业电影导演，而不是为了博收视率引入所谓的“跨界”明星，因为作品是节目的核心，毕竟作品是需要专业支撑的。

　　一档电视节目要做到雅俗共赏确实不易，但是勇于创新，追求品质就必然需要付出一定的努力和代价，单纯迎合大众的“娱乐”是没有底线的，同时大众的口味是可以被形塑的，《幻乐之城》为提高大众视听艺术审美所做出的贡献，必然会在将来无形中有所回报。